時間：2023-08-07 09:23:56
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電影集中了戲劇、人文、美術、舞蹈、文學、音樂、語言、自然等多種藝術或可以藝術化的因素,是人類藝術的精華。在眾多藝術元素里,只有語言和音樂是觀眾必須通過聽覺進行感受的。語言是基礎,音樂則在表現電影藝術、渲染電影氣氛、節奏控制和情緒調節方面有著不可替代的作用。
一、電影音樂及其藝術特點
顧名思義,電影音樂就是融入電影中的音樂,是專門為電影創作、編配的音樂。與其他音樂體裁相比,最大的區別是它以電影內容為基礎,包含可視信號。從電影的演變過程看,聲音都是后期加入的元素,音樂也不例外。在有聲電影出現的初期,由于音像制作水平較低,加入的音樂等聲音元素反而破壞了電影的藝術效果,因此更多的是在電影放映時,請鋼琴師和小提琴師即興伴奏。隨著人們欣賞水平和音畫合成技術的提高,人們發現音樂在不影響電影內容和節奏的基礎上,具有烘托電影情節、渲染電影氣氛等方面的天然優勢,由此電影音樂誕生了。
電影音樂的藝術特點就在于它是依附于電影的,除開主題歌與背景歌曲,電影音樂如果離開了電影本身,其屬性就可能喪失全無而成為一般的音樂,甚至是噪聲。可以說電影與電影音樂是包含與被包含的關系,或整體與部分的關系,前者是本質,是藝術結晶,是藝術和商業化的最終產物,后者以前者為基礎,反映前者的內容,其主體必須符合前者的藝術展現需要,保證兩者的風格統一。電影拍攝的基礎是劇本,是場景描述,而不是音樂類型。電影音樂必須與電影畫面緊密結合,并遵循電影敘事的時空關系,其內容、結構、長度、語言類型和表達方式,是否完整都必須由電影的要求來決定。
二、音樂在電影中的審美功能
傳統上,審美依靠的是視覺。但是在電影中,由于觀眾同時會接收畫面、音響和語言等多種藝術元素,因此在審美上,必須將三者集中置于電影背景中進行體悟和考察,才能最大限度地獲得藝術審美感受。這主要體現在兩方面:(1)聲音與畫面相互融合。這是電影音樂區別其他音樂的最大特點。電影音樂表達的內容是畫面、文字、音響和人聲等其他電影藝術元素所無法表達的東西,如情緒感受、理性認識、思想升華等。因為人從電影畫面上得到的是視覺上的美感,而只有音樂才能讓觀眾在心靈上產生共鳴,觀眾結合視覺和聽覺信息,能對電影藝術有更深刻的認識,促進畫面與他們的情感互動,可以說音樂是藝術的粘合劑,也是催化劑。另外,電影音樂有時候的“純潔性”,可以對電影敘事的客觀性和具體性進行補充;相反,音樂本身所具備的具體性和明確性也可以從畫面得到補充,兩者達到高度統一,審美特征有機結合。(2)電影音樂的審美指向性。電影中的音樂是有目的的存在,或反映主人公心情,烘托影片氣氛,控制影片節奏等。總之,它必須受到電影情節和畫面的制約。如在反應主人公內心情感時,觀眾從視覺上得到的審美特征是最直接的喜怒哀樂,音樂的作用就在于對這種內心進行一定程度的渲染。又如,電影逐漸走向時,觀眾的審美更多關注在多角度變化的畫面,局促的電影節奏上,襯托的音樂也必須具有緊張、刺激的審美特征,因為只有這種明確的指向性,才能保證音畫一致。
三、音樂在電影中的藝術功能
電影音樂是以電影為載體的特殊藝術形式,其內容必然為電影服務的,因此它具有較為特殊的藝術功能,如渲染背景、烘托氣氛、調節觀眾情緒及給予觀眾更強烈的藝術沖擊等。
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電影是藝術,而藝術是對生活的升華,因此其也承擔了弘揚善良、美麗,鞭笞兇惡、丑陋等責任,即電影的抒情功能,而抒情功能最主要是通過對人物內心的喜、怒、哀、樂等情緒的描寫,以及一些無法用語言描述的情感和心境,而這也正是音樂的表現力所在。觀眾通過音樂的抒情,可以進一步了解人物,并形成對人物的喜愛或憎恨。還有一些電影本身就因為音樂的抒情功能而聞名于世,典型如《阿育王》《音樂之聲》《魂斷藍橋》《飄》等,它們因為優美的電影音樂,使得其本身有了更豐富的情感色彩,人物的性格特征刻畫得也更為鮮明。如《梅蘭芳》電影中,梅蘭芳第一次見到孟曉東的那種驚喜,但又必須掩飾的內心情感,孟曉東對梅蘭芳的愛慕以及適度釋放的情感,都通過音樂表現得淋漓盡致。又如《陽光燦爛的日子》,每當馬小軍看到米蘭,電影音樂《鄉村騎士》序曲就會響起,優美舒緩的旋律再配上慢鏡頭的恰當運用,營造出一種如夢如幻的氣氛,很好地表達了少男的初戀感覺。還有如《泰坦尼克號》,每當男女主人公靠近時,《my heart will go on》背景音樂刻畫了一種非常浪漫的氣氛,這種音樂帶給觀眾的印象,可遠遠超過男女主人公關于愛情的對話。電視劇《士兵突擊》中也有一段激情、但又悲傷的音樂,描述的是鋼七連解散之后連隊出去打靶的場景,大雨磅礴,音樂驟然響起,鋼七連被解散的悲傷之感油然而生,此時戰友之情,“不拋棄,不放棄”的思想深入每個觀眾的心。總之,畫面與音樂的準確結合,不僅使得音樂有更強的感染力和表現力,更關鍵的是它傳遞了主人公的某種情感,如音樂音高的變化可以表達不同的情感經歷,低沉的音樂刻畫氣氛沉默的場景等。
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不同類型的電影有不同類型的音樂、劇本和演員的演技是好電影的基礎,音樂則給好電影配上華麗的外裝。優秀的電影或有深刻的內涵,或有強烈的視覺沖擊,或兩者兼而有之。可以想象《金剛》如果沒有氣勢磅礴的音樂,即便金剛最后矗立在高樓頂端也不會震撼觀眾的心靈;同樣,《魔界》三部曲,其背景音樂時而低沉,時而高亢,舒緩有致,對電影氣氛起到了很好的調節作用。其他優秀的電影,如《肖申克的救贖》《辛德勒的名單》《角斗士》《阿甘正傳》《這個殺手不太冷》等莫不如此。好的音樂背景可以給觀眾強大的心理壓力,或心理暗示,或心理期望,這使得觀眾更加容易陶醉于電影本身。如果說無聲電影時代,電影靠肢體語言,觀眾靠理解和想象來達成藝術交流的話,有聲電影時代聲音則成為雙邊溝通的橋梁,電影通過聲音直接抵達觀眾的心靈深處,這是觀眾的需要,也是電影本身的需要。
電影音樂渲染氣氛包括環境氣氛、時代氣氛、民族或地方色彩等。如《美國往事》中的背景音樂就渲染了20世紀初紐約的街頭氣息,繁榮且繁雜;《教父》根據不同的場景,其背景音樂渲染了不同的氣氛,有婚禮的喜慶、黑幫交火的局促緊張等。又如典型的描寫印度的電影《紐約》《貧民窟的百萬富翁》《阿育王》《未知死亡》以音樂表明這是一個具有印度特色的電影,其主人公的服裝、膚色、建筑等無不彰顯著印度風格,而且這種風格不需要通過介紹或其他語言提示或暗示。音樂渲染氣氛比較明顯的是恐怖片、驚悚片,這些電影一旦脫離音樂,其恐怖和驚秫就無從談起,如《變種蛇患》,船員好奇地打開裝異種蛇的罐子,當蛇蹦出時,音樂驟然響起,又驟然無聲,配合蛇的運動軌跡,對觀眾造成極為強烈的沖擊,“恐怖”與“驚悚”感油然而生。
3幣衾至貫和推動電影劇情
電影藝術的展現時間有限,不可能把每一個場景,每一句話都交代清楚,但是音樂是不占空間的。另外電影都是通過后期制作,剪輯而成的,在連貫上必然因為某些原因需要借助其他手段來展現,音樂則可以承擔這種功能。電影史上無數的經典影片都有經典的音樂伴隨著。在電影中,音樂有時就像一條錦帶,把一些分散的、跳躍的鏡頭串聯起來,這就是音樂的連貫作用。如《花樣年華》,電影中不斷出現帶有拉丁風格的主題音樂將影片的節奏以及人物的心理把握非常到位。還有電視劇《越獄》,片頭出現的富有節奏感和緊張感的音樂同樣給予觀眾深刻的認知感;《24小時》中,也會不斷重現時間的滴答聲,讓人感覺到時間的異常緊迫,以及對主人公命運的擔心。還有一些電影,通過喚起觀眾回憶的功能,將劇情前后連貫的也非常得體,如《貧民窟的百萬富翁》以及日本故事片《砂器》。在《砂器》中,主人公從一個貧苦農民奮斗成為一個鋼琴家,但是當他每次演奏《命運》時,伴隨跌宕起伏的鋼琴伴奏的畫面都是主人公艱難童年生活的再現,音樂這種喚起回憶的功能將主人公的命運和畫面的情景有機結合,使得觀眾對電影有更加全面的認識。著名電影《辛德勒的名單》,重復的悲傷音調不斷重現,它既概括了影片的主題思想,又傳達了電影創作者的拍攝意圖。
音樂不僅連貫劇情,還具有推動劇情的作用。本質上是劇情決定了音樂,但是劇情在發展過程中,由于時間和空間的關系,必須借助音樂對其進行一定的暗示,或提示,促進電影劇情的進一步發展。電影的劇情,除了劇情片,傳記片一般較為平淡、壓抑,如《美國往事》《美國美人》《生死朗讀》《阿甘正傳》《美麗人生》等,別的電影則講究平緩――逐步過渡到,或――平緩――的節奏,這種抑揚頓挫之感,觀眾只通過畫面是不能很好的體會的,因為畫面本身沒有所謂的抑揚頓挫,而一旦加入聲音,通過音畫結合,觀眾的理解再容易不過了。如電影《金剛》,前40分鐘都是平淡的市井生活,金剛出現之前,音樂優雅,舒緩,透露出很溫馨的背景,隨后探險家乘船只向島嶼進發過程中遇上狂風暴雨,背景音樂變得局促、緊張,觀眾被深深地吸引。電影的真正則體現在金剛出現之后,氣勢磅礴的音樂背景給予觀眾極大的心理壓力,電影結束之后,音樂回歸平緩,觀眾緩過神,回味無窮。
四、結語
電影音樂的作用是多樣的,除了本文所介紹的抒發主人公情感、渲染電影氣氛、連貫和推動劇情作用,還有提高電影的藝術品味、喚起觀眾記憶等作用。電影音樂依附于電影本身,通過聲畫結合,觀眾對電影會有更深刻的、更立體的認知。它不同于其他音樂是因為它是電影這個綜合藝術的一個有機組成部分,體現了影片的藝術構思和創作,營造更豐富、更生動、更真實的電影情節,大大加強了電影藝術的表現力和感染力。
[參考文獻]
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［關鍵詞］身體美學;體育電影;身體社會學
體育電影從某種意義上復興了身體的美學，它以身體作為一個展臺，著力表現出身體在后工業化時代的頑強。但是，體育電影只能算是對身體之美的緬懷，因為真實的身體之美在現實之中已經不可再現了。體育電影所反映出的身體之美只是一種超真實的身體之美，它比擬真更為真實，已經完全超出了真實的范疇。本文將從感官的身體之美、技術的身體之美以及文化的身體之美三個方面來探討當代體育電影的藝術魅力。
一、體育電影中的身體感官之美
電影是一種綜合性視覺藝術，身體之美主要是通過視覺來表現的。體育電影的拍攝目的是為了獲得一種審美的。體育電影其實與體育并沒有太大的關系，因為體育已經不再是日常生活的組成部分，體育已經缺乏了實現生存美學的意義。體育電影并不是對現實生活的一種擬真。但也并非是一種完全的虛構，體育作為一種文化仍舊具有其存在的意義。從這種意義出發，體育電影對于體育的建構更多的是一種技術的建構與文化的建構。但是，不可否認的是體育電影首先要完成的是一種感官的建構。體育電影是圍繞身體展開敘述的，因此它首先必須要選擇一個適合的身體，一個現實中完全不可能存在的身體，這是體育電影拍攝者一開始就確定的目標。體育電影必然會給我們一個超真實的身體，一個天賦異稟、充滿活力、甚至不需要任何科學訓練就能夠屢戰屢勝的身體。這是一個充滿誘惑的身體，誘惑所有的人進入影院去欣賞。
體育是關于身體的教育。在古希臘人看來身體的教育是為了產生美，身體之美是生存之美的重要組成部分，因此身體的教育與知識的教育同等重要。隨著人類科學技術的不斷發展，機器逐漸取代了身體，機器所生產出的知識話語逐漸遮蔽了身體，身體在機器面前絲毫沒有美感可言，反而變得越來越丑陋，身體作為一個造物者徹底淪為了一個二流產品，身體面對機器感到的是羞愧。更為可怕的是身體教育的目的不再是產生美，而是為了適應機器的速度，身體教育成了一種規訓權力視閾下的教育，這種教育的結果是身體徹底失去了主體的地位，而成了機器的附庸。體育電影對身體之美的展現并沒有脫離古希臘的美學范疇。“力量即是美”是一個恒定的法則，當人類在走向衰老，面對死亡的時候身體才會到場，但是身體卻是以一種極不光彩的形象到場的。因此，像笛卡兒、尼采、克爾凱郭爾等一些身體孱弱的思想家而言，這樣的身體無論如何都無法激發他們贊美的欲望，他們備受身體的折磨，對于他們而言身體是最為強大的敵人，他們只能鄙視身體。
電影是一種誘惑的技術，身體最大的誘惑在于。運動員通過自己強健的肉體從而去誘惑所有的人。體育電影將誘惑推向了極致，電影技術徹底彌補了人類視覺的缺憾，超真實的視覺技術，讓觀眾更為清晰地去看身體。例如，在最近熱播的影視劇《斯巴達克斯·血與沙》中，3D技術對身體的展現已經超越了日常經驗感官的范疇，不再停留在表層之中，而是進入身體的內部，身體的感官之美已經超越了二維空間，進入了三維，甚至是四維。電影不僅僅通過視覺刺激觀眾的感覺，同時在聽覺上、嗅覺上，甚至在身體上刺激著觀眾。
身體教育已經失去了其初始的概念，淪為人類自我緬懷的一種手段。體育電影所指涉的不再是體育教育。而是體育競技。體育電影是一種商業化、娛樂化的工具，身體已經淪為的商業的。體育運動呈現出高度的職業化、專業化以及技術化，它已經不再是多數人的教育，多數人的活動，運動員的身體是超越普通人的，他是一個希臘神話式的英雄。它具有高度的穩定性，能夠適應鏡頭不斷地捕捉和拍攝。因此，作為演員的運動員不再需要追求超越身體，而是要追求超越身體的表現。對于演員而言，必須能夠通過肌肉群表現出最為強烈的男子氣概，這是一種最為強烈的誘惑，能夠讓觀眾在一瞬間徹底被震撼。但是，同時我們也發現身體的確是存在極限的，身體并不像我們想象的那么無所不能，于是體育電影另一個重要的表現方面就是身體的脆弱性。身體在權力面前是軟弱的，是無能為力的，身體被權力打上了恥辱的烙印，于是身體就成了一個悲劇式的英雄，身體的疼痛成了對權力最為有力的控訴，身體從中獲得了另一種誘惑，再次令觀眾產生了巨大的震撼。
二、體育電影中的身體技術之美
我們所處的時代是一個機器無所不能的時代，人類惟一能夠戰神機器的地方似乎只有智力，而智力似乎也越來越受到巨大的威脅。身體是在這場人類對戰機器的戰役中最先敗下陣來的，我們不禁要問身體究竟還能做些什么。體育電影給了我們一種夢幻式的回答。我們認為中國武俠片是最具有典型特征的體育電影，其主要反映出了一種身體技術之美。但是，我們不難發現武俠片所處的時代都是沒有機器的時代，身體只有在刻意回避機器時才敢于大膽地去展現自己的技術，這是一種普羅米修斯的羞愧，身體根本就不敢正視機器。因此，體育電影所表現出的身體技術是一種超真實的技術，在一個絕對理想化的環境中去表現身體的力量。盡管，我們內心向往著身體能夠產生出這種驚人的力量，但是現實是極為嚴酷的。體育電影給我們一種虛擬的，讓我們沉醉在一個虛幻的空間之中，在那個空間中，我們日漸衰老的身體有著無限的可能性，只要你去發現自己，你就能夠找到它，但是從電影院走出來，我們才會發現這種想法多么幼稚，我們的身體仍舊是一個平庸的身體。當我們再次面對機器時，我們會毫不猶豫地去厭惡身體。
體育電影并沒有崇高的理想，它從未試圖通過對身體技術的展現，從而讓觀眾能夠反思自己的身體，它只是提供一種誘惑，從而讓觀眾產生。例如《功夫足球》這樣的電影，完全已經超出了體育技術的范圍，它首先是一種電影技術，一種視覺技術，它所要表現的根本就不是體育技術，這樣的電影從某種意義上而言根本就不是體育電影。事實上，所有超越體育技術范疇的體育電影都不是真正的體育電影，它所要表現的主題不是體育，而是技術。因此，體育電影從某種意義上而言，不是人類對技術的一種反抗，而是試圖通過技術讓身體復活。但是，這種復活只能出現在電影屏幕上，而不可能出現在現實生活中。身體已經死亡了，真正屬于身體的技術也已經死亡了。
體育電影與一般電影不同，它已經超出了電影敘事的范疇，體育電影不對人類生活、社會工作、個人或是群體的思想以及情感進行再現，因此體育電影存在著一定的審美認知障礙。體育運動具有典型的區域性、民族性與國家性，對于相同文化背景的人而言，一些體育運動的意義是不可理解的。同樣，不同的體育運動包含著不同的身體技術，作為以反映身體技術為主要手段的體育電影，當這些技術不被熟悉或是理解時，那么整部電影就無法實現審美的意圖。身體作為事件的載體，不斷地進行著自我拆解與重構。這就意味著身體并不是以滿足技術為存在前提的。但是，體育電影極力通過表現出身體可以使用的技術，來證明身體存在的意義，這其實是反身體的。具體而言，任何一部體育電影往往只反映某種類別的體育運動以及運動員的運動狀態，對于普通電影觀眾而言根本無法知道這些技術究竟是真實的，還是虛擬的，因此觀眾最終關注的只是技術的真偽問題，而忽略了身體本身。因此這不僅妨礙了真正的身體美學的誕生，反而會落入另一個技術圈套之中。
現代電影技術對人物形體、動作以及內心的情緒都展開了細致的捕捉。身體已經不再是一個宏觀的，或是抽象的哲學概念，而是一個具體的、微觀的物質概念。特寫鏡頭讓身體成為惟一的焦點，這種高度觀看讓身體變得神圣起來，但是這種表現仍舊無法擺脫虛擬，這不是對真實的追求。人物的眼睛、面部的肌肉、手臂、腿等身體部位都能為了菲勒斯崇高的對象，身體非但不會在電影中復生，反而被徹底地碎片化。作為整體的身體消失了，作為具有意義的身體消失了，剩下的就是對局部精細化的拍攝、崇拜以及狂歡。這種技術之美的惟一目的就是為了滿足觀眾的窺視欲望。身體本身并沒有發展出新的技術，相反的是身體被安裝上了各種義肢，電影技術本身就是身體的義肢，身體根本無法脫離這種技術去展現自身的美。同時，參與電影拍攝的演員所接受的訓練其目的也不是為了發展他們的身體，讓他們的身體呈現出自然之美，而是為了讓他們能夠適應鏡頭的需要，鏡頭的表現是極致的，因此他們的身體也必須能夠承受這種極致的觀察。
三、體育電影中的身體文化之美
體育電影中的身體更多是文化的身體，身體成了文化的載體。體育電影無法關注身體本身，因為身體本身的美已經消失了，或者說現代人根本就沒有身體之美的審美能力。身體是精神內核的體現，身體可以是戰無不勝的，身體同樣也可以是不堪一擊的。因此，如何表現身體，并不取決于身體本身，而在于身體所承載的文化意義。在體育電影中，對手的身體要比你的身體更為強大，但是最終你還是能夠戰勝他，這是不真實的，只是一種文化美學的產物。個體總是經歷千辛萬苦、最終才會獲得成功，身體在這個過程中的作用是實現目的工具，而不是目的本身。身體只是起次要作用的，最終戰勝對手的是精神意志或是文化上的優勢。因此，體育電影真正關注的是身體之上的文化，而不是身體本身。
在所有的體育電影中，運動者一開始就處在社會最為邊緣的區域。這也符合了其作為一個運動者的命運，從低級向高級展開運動。在這種情況下，運動者的身體遠遠比不上運動者的個人意志更為重要，因為許多困難并不是身體上的強大就能夠克服的，相反性別、種族、階級、宗教、經濟、政治等意識形態因素都會成為其身體天賦的敵人，身體在這些面前是脆弱的，是不堪一擊的，最終力挽狂瀾的仍舊是意志，是思想，是情感，是一切超物質的東西。因此，體育電影并沒有給身體一個展現自身的舞臺，而是將身體作為一個舞臺，去展現文化的沖突、思想的沖突、情感的沖突。運動者并不是依靠身體去戰勝主流權力話語的，相反只有在與主流權力話語媾和之后，身體才有了生存的空間，這是體育電影中身體之美的實質。
四、結語
綜上所述，體育電影是一種極為獨特的電影類型，其具有非常獨特的藝術魅力，其藝術魅力就在于其是一種超真實的視覺藝術。體育電影從三個方面反映身體之美，但是每一面都不是真正的身體之美。真正的身體之美其必然是作為一種生存方式而出現的，體育電影中的身體只是一種工具，而不是主體。因此，體育電影對于身體或是身體教育而言并沒有實際的意義，它只是一種誘惑，讓觀眾進入影院得到而已。
［參考文獻］
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關鍵詞：電影；音樂；審美；藝術性
電影音樂指的是專門為一部電影創作的音樂作品。電影音樂不僅是電影的基本構成，而且也是一個完整的作品。在電影中融入音樂作品，使得音樂與畫面有機結合，能夠使得觀眾更加深入地理解電影所要表達的內容，進而進行審美性的思考。同時，觀眾在電影特定的情景中去欣賞音樂，才能更加深入地理解音樂所要表達的情感內涵。
一、電影音樂的審美特征
電影音樂與其他類別的音樂有著一些區別，它是缺乏一定的獨立性的。因此，電影音樂必須要與畫面和人物語言相結合，使得觀眾能夠在最大程度上獲得審美體驗。
（一）音樂與畫面交相呼應
眾所周知，電影作品中的音樂是電影中必不可少的重要組成部分，并與畫面互相滲透、互相融合。值得注意的是，音樂卻與畫面有著不同的功能和作用。音樂所突出表現的側重于引起觀眾的情感體驗，而畫面則是給觀眾以視覺上的欣賞。鑒于此，在電影作品中有效將音樂與畫面相融合，能夠使得兩者發揮出更好的作用，起到相互輝映的作用，易于引起觀眾的共鳴。另外，音樂作品具有著主觀性的審美特征，與具有客觀性、具體性審美特征的畫面有機結合，兩者能夠相互補充，起到較好的表達效果。
（二）音樂在表現內容上以劇情為依據
作為電影作品的音樂，在創作上必須要以劇情為依據，在整體效果上要符合電影的整體基調。具體來說，電影音樂要符合人物的情感狀態，同時還要以劇情為依據，并與畫面相結合。從情感體驗的角度來講，相比較來說，純音樂更容易引起觀影者的共鳴。這是因為觀眾在觀看電影時，純音樂與具體畫面內容相輝映，能更加明確的表達情感。可見，音樂作品對于推動電影劇情發展、更好的表達情感有著重要的作用。
（三）音樂作品在結構上有著間斷功能
一般來說，一部電影會有多個畫面轉換的鏡頭，相應的音樂作品也就必須與之相符合，起到間斷性的功能與作用。可以說，電影中的音樂作品有著一定的間斷性特征。這是因為，電影中的音樂作品和畫面應當保持著一致性，而電影劇情的跌宕起伏，勢必在畫面表現上有著一定的跳躍性，從而使得音樂作品也必須做出相應的調整。最終，在一部電影的不同時間點，會呈現出不同情感、不同節奏的音樂作品。
二、電影音樂的藝術性表現
電影中融入音樂作品，不僅對于塑造出鮮活的人物形象有著重要的作用，且還能夠更加淋漓盡致地展現出人物性格，使得觀影者能夠深入的理解電影所要表達的人物特質。同時，影片中音樂的聲響在渲染劇情、烘托氣氛等方面也有著不可替代的作用，能夠為觀影者營造出一種身臨其境的感覺，促進觀眾加深理解電影作品中所要表達的主題思想。
（一）對人物性格進行藝術性塑造
眾所周知，電影中的音樂作品對于影片劇情的發展起著重要的推動作用，是電影中必不可少的組成部分。縱觀電影史上的多部影片，可以看出，有的電影通過音樂作品的烘托，能夠為觀眾帶來一種美學上的體驗，在情感上引起共鳴；有的電影采用的是交響樂等作品，這在氣勢上為觀影者營造出一種身臨其境的感受，給予觀眾較強的代入感。值得一提的是，電影作品中音樂元素的合理使用，對于深入的刻畫與表現主人公的性格有著重要的意義，或是溫婉柔情、或是具有英雄氣概，都是可以由音樂進行有效烘托表現出來的，最終更好的對電影中的主人公性格進行藝術性的塑造。
（二）藝術化地表現電影主題思想
毫無疑問，任何一部電影作品都要有著明確的主題，并依照這個中心思想合理組織、調動各種元素，以期共同發揮作用，更全面、更深刻的表達出電影的主題。其中，音樂作品就是電影作品中的基本組成部分，并在表達電影主題思想方面有著重要的烘托作用。通常來看，我國的電影作品，往往使用“主題歌”來總結這部電影的主題，有著突出與明確中心思想的作用。另外，不僅“主題歌”能起到深入表現電影主題的意義，電影中的樂曲也能起到相同的作用。可以說，這類能夠表達電影主題、明確劇情中心思想的音樂，在整部電影中有著重要的基礎地位。同時，在電影劇情發展的關鍵環節，有效、合理的使用音樂作品還能夠強化人物性格、渲染場景氣氛等，進而引起觀影者的共鳴，最終起到深化影片主題的作用。
（三）對影片場景和氣氛進行藝術化描繪
在電影作品中使用音樂，不僅能夠有效的配合畫面推動劇情的發展，而且還能起到烘托電影場景氣氛的作用。具體來看，在表述有著動作性特征的事物時，可以用歡快的音樂為具體的畫面提供一種聲音上的造型。這種在聽覺上配合視覺上的表現，即音樂配合畫面的表現形式，在一定程度上起到了強調和加快畫面節奏的作用。可以說，電影中的聲音和畫面是兩大基本組成部分，音樂作品運用的好，通常會為觀影者所記憶深刻，并通過熟悉的旋律、明確的歌詞內容回想起優秀的電影作品。這在一定程度上來說，音樂作品對于推動電影整體表現力來說，有著不容忽視的作用。值得一提的是，電影中的音樂作品在烘托場景氣氛上，有著強調、渲染的功用，能夠充分發揮藝術化的描繪功能。
三、結語
可以說，音樂對于烘托電影的主題、使得電影更富表現力等方面有著重要的作用。同時，不同風格的音樂作品在藝術性表現上還能滿足觀眾的多元化需求。經過上百年的發展，電影音樂已經自成一套體系，并與其它元素相互融合，共同來表現電影的內涵，以期使得觀眾得到較高的觀影體驗。可見，電影音樂在提升電影作品整體藝術性上有著重要的作用。具體來說，電影音樂可以與畫面、聲音等交相輝映，形成聽覺與視覺的有機統一，能夠烘托出人物的特征，更好地表達劇情，以其獨特的審美特征完滿的進行了藝術性的表現。
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［關鍵詞］ 電影藝術；審美心理；秩序感
“秩序”是事物存在、變化、運動、發展的一種規律，即有序性。處于人們身邊的秩序現象隨處可見，無論是事物的結構、形態還是事件的發展、運動、變化的規律，都呈現出多種多樣的秩序性，這種秩序性結構是平衡態的，在形式上容易使人聯想起秩序的存在。“秩序”表現了人的審美心理趨向和形式要求，阿恩海姆曾經論述：“人所具備的認識能力（其中也包括藝術創造能力）尋找的是秩序。科學的使命是在多樣化的現象中提煉出有規則的秩序，而藝術的使命則是運用形象去顯示出這種多樣化的現象中所存在的秩序。”［1］貢布里希在其撰寫的《秩序感》一書中曾經提出：人們在觀察事物周圍的外界環境時，還應該參照它最初始對事物的發展變化和運動規律所作出的預測，來判定其接受到信息的最終含義，人們將這種事物所謂的內在預測功能稱為秩序感。可見各種形態的藝術形式在視知覺的建構過程中都具有秩序化的特點。電影藝術的“秩序感”屬于視覺審美心理學的范疇，是人們感知和創造電影藝術形式美的過程，并且體現于視知覺的建構過程中，具有規律性和平衡感。
一、電影藝術“秩序感”的產生
在電影藝術中人們所體驗到的美以及對秩序的感受是聯系在一起的。貢布里希認為，我們應該把意義上的知覺與秩序上的知覺區別開來。其中意義上的知覺具有理性的成分，來自于人們有意識的思維活動。而秩序上的知覺則與人們生物活動體能相聯系，更多的來自于人們體內有序的參照系，即人的知覺。所以，有秩序的發展過程是任何事物必須經歷的變化過程。隨著行為科學的不斷發展，人們的行為逐漸掌握了規則的、系統的傳達形式，而這種形式則可以使用數學的關系進行表達，通過人們頭腦的衍變將極其復雜的感覺刺激轉變為有序化，同時能夠針對眾多數學形式的理解作出選擇和判斷。以上說明，人類擁有著極為強烈的秩序感和對秩序的喜愛。在這里所說的秩序感，就是人對秩序的一種基本感受，是人們基于生物性基礎上的一種感受。
（一）電影藝術審美過程中視知覺的基本特性
在電影藝術的“秩序感”中所指的感覺，已經包括了感覺與知覺這兩個方面。托馬斯•L•貝納特指出：感覺是人們將周圍環境的刺激信息傳入頭腦中的手段，而知覺則是人們從匯聚眾多刺激的信息中整理、提取出于自身有用信息的過程。［2］波普爾也曾經提出：首先是在兒童或動物的身上觀察到了一種對于規律性的強烈探求，然后在成年人的身上也發現了這種需求，促使人們不斷地積極探索各式各樣規律的存在。［3］電影藝術則是人們進行這一系列探索的成果之一。這里所提到的針對客觀規律性的強烈探求，其實就是對事物發展“秩序”的一種需求，人們外部的文化機制和所存在的生物機制是這種需求的主要來源。電影藝術的視知覺中主觀性探求是普遍存在的,由于每個人的生活經歷、視覺心理的反應以及視覺感受的不同，其所擁有的視知覺反應則取決于電影藝術在傳遞什么信息及故事情節的發展具有怎樣的心理趨向。只有當電影藝術的視覺感受與人們的心理知覺取向相一致時，才能真正引起觀眾的共鳴。
對電影藝術元素充分、恰當的運用，體現出了視知覺的特性影響電影藝術的審美過程。通過對受眾的心理結構和視覺感受的分析，不斷錘煉電影表現元素與藝術語言的每個細節，從電影劇本的創作、分鏡頭的切換運用到攝影空間的巧妙搭接，使得電影中每個表現元素都能夠充分融合于有限的鏡頭畫面上，從而在觀眾心理上產生反射，促進觀眾和電影作品之間的情感與信息的交流，不斷深化電影的藝術內涵。
（二）“秩序感”存在于電影藝術語言表達之中
貢布里希在著作中指出，人們應該仔細分辨事物周圍的環境，參照其初始對規律運動、變化和發展所作出的預測，以確定人們最終所感受到的信息的含義。并把這種存在于事物內在的預測功能稱為秩序感。電影藝術中各種鏡頭和表現風格都具備不同的藝術特點和情感信息，靈活運用電影鏡頭語言并與電影風格表現一致，能夠使得電影畫面語言傳達呈現出某種可延續的規律性，這樣在電影藝術的視知覺傳達上就有了“秩序感”。
秩序感是有機體在為自身生存所進行的抗爭中誕生的，在知覺活動的框架下，秩序感存在的總體環境是有序的，以此作為從規則中進行分辨有機體偏差的參照。一個簡單的例子可以證明這種關系：人們觀看電影時，會伴隨著音樂或畫面的突然響起或中斷而帶來感官上的刺激，從而產生迭起的藝術效果，這正是打破原有的秩序所產生的藝術效果，吸引人們的注意力進而使人們產生聽覺或視覺的特殊感受，而這里的特殊感受則是電影音樂和鏡頭畫面的藝術趣味所在，也就是說電影藝術所表達的圖像秩序生動地反映了人的審美心理秩序。電影藝術中產生的“秩序感”和視知覺的建構不分先后關系，幾乎是同時進行的。秩序感使得人們能夠聯想到生活中的體驗或視知覺經驗，同時視知覺經驗也能引導人們去感受秩序感，二者是相互作用的關系。當人以往的視知覺經驗、心理取向與電影藝術中的“秩序感”呈現一致時，人們認為這種“秩序感”則是美好的、真實的，可以使人獲得一種審美樂趣。因此人們的視知覺經驗對電影藝術“秩序感”的產生起著重要的作用，并以此作為電影藝術的基本創作原則。
二、電影藝術中“秩序感”的特性分析
貢布里希認為，作為客觀存在的“秩序感”，是人們與生俱有的適應和感知秩序的生物遺傳的本能，能通過主體對存在客觀秩序的感受來傳達出對周圍世界的認同感。電影藝術的“秩序感”是人類自主地選擇和適應周圍客觀存在的秩序的結果，依據電影藝術的視聽傳達特點，決定了其藝術語言中的“秩序感”具有均衡感和規律性的審美心理特征。
（一）電影藝術“秩序感”的規律性
電影藝術“秩序感”的規律性主要體現于故事安排、構圖畫面、色彩風格、音樂音效以及鏡頭空間布局的剪輯與排列組合上，它們之間可以是相對靜止而有序的規律，也可以是不斷變化、發展運動的規律。貢布里希的理論在這里具有指導性的意義，他要求把周圍客觀存在的有機體視為具有能動性的機體存在，其運動、發展和變化是在其內在秩序感的指導之下進行的，不是盲目的活動，而具有一定的規律性。人們在電影藝術中經常看到，電影中人物的審美心理秩序與鏡頭畫面形式秩序的安排進行同構的過程，最終使得電影作品得以完成。而這里所說人物的審美心理秩序，則是指人類自身生物體存在的秩序性和對客觀秩序的存在主動地去感應、適應以至偏愛。從電影藝術的審美角度看，有的鏡頭拍攝按照鏡頭畫面語言的特定規則靈活多變，富有愉悅靈動的秩序；有的電影藝術語言則安排得絲絲入扣、嚴謹規范，具有一定的理性秩序；有的電影色調風格賦予一定的情感意味，使得電影藝術的情感與秩序感緊密相連，較大面積持續地運用冷、暖色調對于營造電影的整體氣氛起著重要的作用，能夠潛移默化地引發觀眾的情感反應。視聽語言本身也具有強烈的秩序感，寫實的影像體現與音樂、音效的同步發展是秩序感自然性的體現，是人們的聽覺與視覺所包含的內在的規律性所形成的視聽效果。
（二）電影藝術“秩序感”的平衡性
作為電影秩序，本身具有一種平衡美，是一種藝術的形式秩序，因此平衡感是電影藝術秩序感中最基本的表現形式。通過人們大量的審美實踐證明，所謂電影藝術的橋段是來源于介于理性化、規范化和沖突跌宕之間的故事情節安排和畫面語言的表現。簡單的故事情節不能引起觀眾的注意力，而太過于起伏動蕩、沖突迭起的劇情安排又容易讓人產生因知覺超負荷而帶來的厭煩，使得觀眾停止進行欣賞。從電影藝術中審美的角度來理解，將平衡感進行理性的安排，是通過鏡頭的運用、色彩銜接、圖像處理、音樂剪輯等要素的互相搭配體現出來的，能夠擁有極佳的審美舒適度，使觀眾在最短的時間內捕捉到所需的信息，并與之融合達到身臨其境的藝術效果。
三、“秩序感”對現代電影藝術發展的啟示
“秩序感”是先于電影藝術之前就客觀存在于人們的視覺經驗里的，因此，電影的秩序化也就有了一定的規律可循。其中電影藝術審美內在的尺度是秩序，而這種秩序則是和諧、變化、發展的統一，始終是與平衡性、穩定性相聯系的。秩序就是人類有序化能力的體現。例如，電影秩序化的代表作品《盜夢空間》，其吸引觀眾的主要原因是它將秩序與哲學和藝術進行充分的融合，是藝術秩序與秩序藝術同構的最佳代表之一。劇本的科學化、理性化安排，故事情節環環相扣的發展，神秘的色彩搭配和時空的縱橫交錯組成奇異的視聽畫面，里面沒有任何表現性的成分出現。對于主觀意識、鏡頭畫面、音樂等的排除，使得觀眾主動地依照電影所需秩序表達的形式語言進行作品解讀，讓觀眾將藝術理性的形式秩序之間的互相交錯進行聯想。克里斯托弗•諾蘭的這部作品以藝術秩序化的形式來表現電影的藝術特征，為了使電影語言容易讓觀眾接受，作品嘗試以觀眾的視角去創造時空、角色活動以及處理視知覺的平衡，電影藝術表現語言可以理性地理解為知覺與視知覺的重構、時間與空間的交錯，以致觀眾所察覺到的秩序感是一種因精神作用而不是知覺作用引起的秩序類型。
隨著經濟全球化發展，信息技術的廣泛應用使得現代電影的藝術形式正面臨著前所未有的沖擊和挑戰。電影藝術的審美觀念在人們心中悄然變化著，新媒體、新媒介以新興技術的姿態廣泛介入人們的生活。面對新媒介技術的挑戰，對現代電影視聽藝術表達進行研究與探索，是我們所要面對的重要課題。利用“秩序感”的自然屬性――對秩序感的欣賞和認同是人類與生俱來的，對電影藝術的審美秩序和視覺規律進行把握，是發展現代電影藝術的一條有效途徑。電影藝術在未來的創作發展中，要做到電影藝術的心理定向和視知覺經驗、形式和內容、節奏與平衡等關系的統一，才能真正促使觀眾和電影之間進行情感交流，進而體現出電影藝術的整體美。
［參考文獻］
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［3］ ［央］EH貢布里希.秩序感［M］.杭州：浙江攝影出版社，1987.
一、當代電影藝術的文化屬性與構建“文化”是一個在特定的空間發展起來的歷史范疇。不同的民族在不同的生活環境中逐漸形成各具風格的生產方式與生活方式，孕育了各種文化類型；同一民族又因生活環境的變遷和文化自身的運動規律，在不同歷史階段，其文化呈現各異的形態，所謂“文變染乎世情，興廢系乎時序”。前者是文化的民族性(或地域性)，后者是文化的時代性(或階段性)。
電影文化是人類借助現代科技手段創造的文化樣式，是指電影的“有聲有畫的活動影像”，即電影藝術及其對社會生活的影響。電影藝術是人類文化的一個重要組成部分，但又是作為文化系統的亞文化形態而存在的，是屬于精神文化范疇內的子文化部分。電影藝術，在今天的社會中不僅成為一種大眾文化，而且對其他文化正在產生著深刻的、滲透性的潛移默化的影響。作為一種精神文化，電影藝術和其他精神文化有內在的一致性，它們都是人類從事精神活動的結果，并對人類的精神領域產生程度不同的影響。
論及中國美學與中國電影藝術的關系,首先應考察中國電影美學的文化屬性。而中國電影美學的文化屬性,當然是既打上了中國文化傳統的深刻烙印,同時也包蘊著鮮明的時代精神和當下色彩。而這種時代精神和當下色彩本身,也是既體現著一定歷史階段主流文化的意志,又與電影形式與生俱來的西化傾向和不斷變化著的工業文明息息相關的。它們間的互相整合形成了中國電影美學的獨特個性,發展至今,則又在“全球化”思潮的策動下,出現了傳統與現代、古典美學與消解主義、中國國情與西方浸潤,既矛盾地碰撞,又苦澀地同處的所謂多元化格局。
二、當代審美受眾的共通性與差異性審美文化心理是人類在審美活動過程中審美意識的積淀和凝聚,代表了審美文化系統中的核心部分,體現在特定的審美需要、審美理想、審美趣味以及審美價值標準等等。社會大眾對文化的需求,不僅僅有滿足消遣、娛樂的一面,還有陶冶情操、提升精神境界的一面。從美學角度看,受眾需要的形成受到其自身審美文化心理的影響;與此同時,受眾選擇接受媒體過程中其審美文化心理包括審美趣味、審美理想、審美價值標準也在不斷地發展。電影發展至今，商業化傾向已成世界性潮流。
今天的類型片，如言情片、武打片、科幻片、偵探片、警匪片、災難片、歌舞片等，都有著強烈的商業動機，張藝謀等第五代導演也開始了風格轉型，如《三槍拍案驚奇》，但同時電影作為一門具有廣泛影響的藝術，在審美接受方面卻提出了更高的要求，高科技的發展又為這兩者的結合提供了更多的可能性。然而，在上述的文化背景下，我們不難看到今日中國人的觀影審美接受已由過去的較單一的共通性，而轉為變化著的共通性與差異性所形成的接受悖論。一方面有著明顯的共通性，另一方面又帶著強烈的差異性。
[關鍵詞] 電影 音樂美學 融合
一、電影藝術的特征
1、電影藝術所具有的審美特征
電影藝術作為一門獨立的藝術，其本質被克拉考爾說成為“物質現實的復原”。電影藝術是一種運動的視覺藝術。首先它和攝影繪畫一樣具有最基本的物質元素光、影、色、形。電影藝術能夠像戲劇、舞蹈藝術一樣，可以通過視覺和聽覺的功能，藝術地表現和再現出現實中的生活情景。
電影藝術所具有的審美特征是真實性、價值性和娛樂性。
電影藝術的真實性，真實，其實質是藝術的真實，是藝術對生活準確的提煉和概括。它包括有內容和形式兩個方面的真實。內容的真實是藝術對社會生活內在規律的深刻反映，是社會生活本質規律的揭示。形式的真實是藝術對社會生活外在規律的反映，是社會生活外表的再現或是表現。我們通過所說的藝術源于生活，而又高于生活，就是這樣一個意思。
電影藝術的價值性。電影藝術具有特有的觀賞的藝術價值和凈化心靈、移風易俗的教育價值。電影能讓你親臨其境，親身感受。進入到你想像中，或是未曾想到的世界中去體驗，使你將你的全面情感投入到電影的情節和音樂中，你的思想感情都會隨著影片中的思想情感和主人翁的命運，隨著電影音樂的節拍而起伏變化。
電影藝術的娛樂性。電影藝術通過現代化的技術手段，依托現代化的音畫設備，給人帶來高級視聽享受。使人倍感身心愉悅和暢快。
2、電影藝術所具有的知覺特征
電影藝術所具有的美感是它的知覺特征的集中體現。電影藝術的美感首先是電影的形式美，其中包括我們視聽感受中的繪畫和音樂美。還有電影藝術本身的電影語言美，即蒙太奇運動表現的美。在電影中往往是音樂和語言相結合，音樂和場景相結合，電影美術的聲光色影相交織，通過這樣一種綜合藝術表現形式創造出電影藝術所特有的美來。其次是電影的內容美。電影通過故事內容深刻地揭示社會發展規律，反映廣大人民群眾善良愿望，或是批判現實，或是揭示丑惡的東西，或是頌揚美的東西，形成一種為大眾所接受的批判現實主義的美。通過形式與內容最佳結合，讓人感覺到一種意蘊深遠的更高境界的美。
二、音樂美學的特征
1、音樂美學的審美特征
第一，音樂美學的藝術語言美。音樂是以聲音為表現手段，以聽覺為對象的聲音的藝術，或叫聽覺藝術，音樂藝術的聲音，主要是由人們根據審美原則，加工創造出來的，而且由一系列樂音根據不同音高排列有序構成一個有機的整體，即音樂學中所講的樂音體系。在音樂美學的樂音體系中，它依據自己特有的律動美的法則構成了音樂藝術語言美的形式。
第二，音樂旋律的運動的時間性。音樂主要是在時間中運動的一種時間藝術。由于音樂的物質材料是聲音這一特點，這樣又賦予了音樂美學的另一個審美特征，即音樂旋律的運動的時間性。對于音樂的審美欣賞，隨音樂的演奏、演唱而開始而開始，結束而結束。
第三，音樂美學的抒情性。這種審美特征是真接區別于造型藝術的。造型藝術講究以直接表現的手段再現外部現實生活，而音樂藝術，則是通過內心的表現，來反映人的感情、意志、命運等。
它的表現方式，既可以直接地抒發人的內心情感，也可以采取間接方式，借音樂的語言來描繪社會生活場景或自然景物來抒發人的感情和意志，表達人們對于生活及生命的思考和體驗，造成一種音樂藝術特有的意境，塑造出特有的音樂藝術形象，《春江花月夜》、《漢宮秋月》等這些古典音樂就是采用了間接表達的手段。
2、音樂美學的表現手段
“情動于中，故形于聲”，“聲音”聲之象也。2這是古人對于音樂美學的最初理解。音樂美學的表現手段，最基本的表現手段是聲音，準確的來說應該是樂音。以樂音體系為載體，音樂美學才可以充分地表現和反映現實生活場景，抒感。聲音有其特質，不同的聲音可以表現不同的情感。音樂有著許多影響因素，民族、地方風格的不同，時代環境音調的不同，所表現出來的音樂也不同。這也就是音樂藝術塑造音樂形象，再現一定外部現實生活的特性。
三、音樂美學在電影藝術中的應用
1、音樂美學在電影藝術中的應用手段。
隨著電影藝術的不斷發展，音樂作為電影綜合藝術的一種表現形式，在電影藝術中對于表現故事情節等許多方面發揮越來越重要的作用。電影中音樂的演奏通過現代技術處理，隨電影放映而被觀眾所感知。電影音樂與對白、旁白、音響效果等其他聲音因素結合后，如與畫面配合得當，能使觀眾在接受視覺形象時，補充和深化對影片的藝術感受。電影音樂如脫離畫面單獨存在，則失去其視聽統一的綜合功能。在電影中，可以通過改變音樂的力度、密度、音色，突出某些樂器或增加立體感、增減混響程度等等，隨著電影情節的發展而變化。所以音樂在電影中的作用不可忽視。
2、舉例說明音樂美學在電影作品中如何與電影情節融為一體
在電影中音樂美學通過音樂來渲染烘托畫面的情緒及氣氛。一種是以此來加強畫面所表現的事物的節奏特征，如火車奔馳、緊張追逐、風暴雷鳴、海潮起伏等；一種是以此來對加強對于遼闊的草原、晶瑩的海底世界、科幻片中的外空間這些特定場景所作的色彩性、氣氛性圖景描繪等。
一、當下電影市場大眾文化
屬性的變異趨向
大眾文化的興起是市場經濟發展的必然產物，隨著經濟的不斷發展以及科技生產力的不斷提高，人們將會有更多的物質條件與精神條件去接受大眾文化、消費大眾文化。大眾文化是有利有弊的。相對于中國經濟市場整體的發展現狀，中國電影市場可以說更加稚嫩，再加上商業競爭法則的強勢介入，使自身調節能力不足、缺乏監管且處于發展初期的中國電影市場，在大數據時代迷失了方向。可以說，大眾文化中諸如媚俗、盲目等弊端在電影市場的動態結構中被放大乃至泛濫。
媒體的發展促進了文化藝術的傳播，打破了地域性的限制，使一些原本不被大眾廣泛接受的文化藝術變得家喻戶曉，騰格爾的《天堂》可以傳唱到天涯海角的海南人民，東北的二人轉可以讓江南的男女老少模仿起來，原本地域性存在的事件由于媒體的介入很快就變成了發生在大眾眼前的事件。可當大家依賴大眾文化的這種特性時，又變得被動起來。原本不同地域的不同文化、不同現象、不同焦點被同質化了，大家失去了自己選擇的權力。整個社會同時關注留守兒童問題，不管這個問題是否為我們所在地域的尖銳問題，我們的吸引力都要轉移過去，一個問題解決落實的情況未知又同時關注起下一個問題，酒駕問題、問題、甚至文章出軌、陳赫離婚這些問題都被大眾異地同時的談論著，大眾失去了選擇訊息的權力，失去了獨立思考的能力。與此相比，大眾文化的盲目性在中國當下電影市場中有過之而無不及。本來，不同流派不同風格的影片都應該有著自己的發展空間和專屬的受眾群體，但在電影市場特有的篩選制度下，卻形成了要么一家獨大，要么艱難生存的局面。這“一家獨大”的就是占領市場主導地位的“爆米花電影”，“艱難生存”的則是為數不多的仍以藝術為追求的人文電影。
這說明，當大眾文化屬性凸顯的市場介入電影行業之后，形成了兼具大眾文化之利與大眾文化之弊的電影市場。
由此可見，電影市場表面繁榮的背后存在著值得深入探討的內在癥結，即電影市場的繁榮恰恰依賴于大眾文化的弊端，并進而對電影藝術造成了消極的影響。這個現象即是本文所謂電影市場大眾文化屬性的變異趨向。根據杰羅姆?麥卡錫《基礎營銷學》的定義：市場是指一群具有相同需求的潛在顧客;他們愿意以某種有價值的東西來換取賣主所提供的商品或服務，這樣的商品或服務是滿足需求的方式。市場的構成要素可以用一個等式來描述：
市場=人口+購買力+購買欲望。
根據這種理解，不妨用以下等式來描述電影市場的構成要素：
電影市場=觀眾+購買力+觀影欲望。
由此可以看出，促進電影市場繁榮的要素并不包含對電影藝術這一層面的考量，也就是說，市場運作電影本身對電影藝術就沒有促進作用。更重要的是，電影市場對電影藝術具有不可低估的消極影響。這種影響可以從上述電影市場的諸要素進行具體分析。
其一，藝術屬于精英文化，追求數量上觀眾的認可勢必背離對藝術的追求。評判電影市場成敗的標準與票房是密不可分的，有了觀眾便有了票房，而觀眾的構成及其變化則影響著電影市場的發展和方向，所以電影市場會上映五花八門的影片滿足各類觀眾，以保證各類影迷的總和最大。然而選擇是有限的，受眾少的影片則容易被拒之門外，因此市場上映的幾乎都是為牟利而去的“爆米花電影”，商業價值低的藝術電影便很少有露面的機會。觀眾影響電影市場，反之、電影市場的也影響著觀眾對電影藝術的審美，電影市場長期投放沒有營養的電影，勢必會對電影藝術的大眾接受造成扭曲。
其二，藝術是無價的，批量銷售的只是一個觀影機會。筆者認為，當下電影市場的票價雖不高、但頻率卻很高，一波又一波的觀影沖擊著追求“感官趣味”的觀眾，讓大眾形成對電影的“快消文化”，以此謀取更多的利潤。電影創作是需要一定周期的，當下電影市場高產的前提就是縮短工時、批量生產，這些沒有經過考究與沉淀的電影一定十分缺乏藝術性。電影的好壞不應該以票房為標準，而應該以時間衡量，若干年后依然被大家記得，并承認其歷史地位的片子才是好片子。
其三，觀影欲望是指觀眾購買影票的動機、愿望和要求，是由觀眾的心理需求和生理需求引發的。當下電影市場大眾文化屬性最核心的變異之處就是在“觀影欲望”的把握上。大量電影作品敘事水平低、故事性弱，尤其在難以表現的關鍵情節上一筆帶過，經不起推敲，違反歷史常識、違背自然規律，反而在審丑、媚俗等方面大下功夫，觸碰道德底線，迎合人性的丑陋面，只要有更多的人對其有觀影欲望便是成功，而不是尋求藝術與娛樂的平衡點，猶如‘精神鴉片’導致觀眾、市場對其的雙重依賴。“其登堂入室、招搖過市，將使整個社會的文化品味位，漸漸‘誤入歧途’。久而久之，難免造成公眾文化心理的‘扭曲’，導致主流價值觀念的偏移，最終給社會帶來極大的負面影響，造成嚴重的危害。”大眾文化的確具有媚俗、商業、廣泛、盲目等特點，但當下中國電影場為了低俗而低俗對電影藝術的傳播是不利的。文化的確有精英和大眾之分，但以排斥精英文化為前提的大眾文化一定是變異的更加低俗的文化。
二、夾縫中求生的電影藝術
電影藝術作為精英文化原本有著獨立的發展空間，大眾文化屬性凸顯的市場介入電影行業之后，電影藝術的生存受到了空前的威脅。在電影傳入中國的初期，其藝術性并未被發掘，那時電影以商業娛樂性為主。隨著電影行業的規范，到了1930年前后，中國電影更多的是以精英文化的姿態出現，秉承著“傳道、授業、解惑”的理念，這與“媚俗，商業，娛樂”的大眾文化是完全不同的。一個世紀過去之后，中國電影居然又回到了以商業娛樂為目的發展道路，這對電影藝術的發展不得不說是一種“復辟”，這種“復辟”就是文化藝術市場化發展的體現。精英文化的領域是有門檻的，數量上的少是一種優越的體現，是因為他人的無法企及而曲高和寡。它與大眾文化的受眾面不同，在自然的發展規律下，兩者是不相抵觸的，筆者所謂的自然發展規律是沒有外力刻意的壓制或者推動下各自在社會中經受考驗與發展。大眾文化的受眾面廣，是取悅大眾的“媚俗”文化，更具有商業追求的價值。隨著市場競爭法則的介入，大眾文化獲得了強大的發展動力，受20世紀80年代的改革開放、90年代的商品經濟、新世紀以來的中國入世等影響，在媚俗的大眾文化與惟利是圖的電影市場聯合擠壓下，精英文化一步一步的走下了文化主導的中心地位。“大眾文化在當代社會中國的生產完全是以產業化形式進行的，市場法則像一只看不見的手主導著大眾文化的制作，大眾的口味主導著文化市場的發展，無論是流行歌曲、暢銷書，還是娛樂電影，這些大眾文化成功與否，與是否迎合了大眾當下的感性刺激與追求密切相關。”筆者認為，當下電影市場藝術成分匱乏的主要原因并不是被動的迎合大眾口味，而是借助自己強大的平臺形成了壟斷的霸權主義，刻意營造出這種低俗的觀影環境。在電影市場尚不發達的上世紀90年代前后，《活著》《大紅燈籠高高掛》《黃土地》《霸王別姬》都是深受大家喜愛的電影，說明電影可以以啟蒙的姿態引領廣泛大眾思考的，大眾是可以接受高審美水平的電影的。顯然，今天的電影藝術性缺失與大眾審美水平低下是經過長期的培養造成的。
藝術電影在中國當下電影市場難以存活，加上藝術標簽的電影無異于被判了死刑。導致電影藝術空間的萎縮與中國當下電影市場的畸形發展是離不開的。電影市場畸形發展主要表現在以下幾方面。
其一，忽視文學價值與藝術背道而馳。諸如《活著》《大紅燈籠高高掛》《黃土地》《霸王別姬》這類高文學造詣的電影，在當下電影市場是難以再現的，這些經典電影都與人性、命運、社會變遷等話題相關，是社會變革、環境動蕩的真實寫照。當下中國電影就忽視了文本的重要性，常常空穴來風、無病，總想用明星作為噱頭，劇情也是常常為明星量身定制，產業化的生產模式大大縮短了影視的制作過程，文學價值最先被愚蠢地，失去了文學價值也就失去了精神支柱，沒有內涵的電影也就不存在電影藝術。對文學價值長期的忽視導致觀眾觀影水平的底下，所以像《一次別離》《藝術家》這樣全球都在追捧的藝術電影到了中國卻票房慘淡，王全安《圖雅的婚事》曾獲柏林電影節金熊獎，賈樟柯的《三峽好人》獲得威尼斯電影節金獅獎，但在國內的票房只有一兩百萬，甚至難以收回成本。反觀各類商業大片，票房破億猶如探囊取物。
其二，商業法則導向內容庸俗。商業法則以“零或一百”的競爭態度對藝術的摧殘是有目共睹的，整個社會同質化、平面化以后，市場競爭力差的藝術便很難生存。筆者認為當下電影市場應該在電影藝術與電影商業之間找到一個平衡點來維系電影行業的文化性與商業性的關系，然而所有中國相關的電影報道都是以票房為話題，以票房論英雄。在當下的電影市場“電影是以科技的手段表現藝術的載體”變為“電影是以科技的手段賺取利潤的載體”更為貼切。以利潤為出發點就是追求觀眾數量的總和，唯利是圖的電影態度導各類型各題材的電影沒有以公平的競爭方式對弈于市場，電影市場對“低級搞笑、血流成河、三角亂戀、惡搞經典”等題材親睞有加。這些電影無根可尋并模式化生產方便，所以當下電影市場便朝著這個方向發展，只想以最低的成本爭取利潤最大化。
其三，忽略傳播職責。電影市場作為實現觀影互動的首要平臺，在電影文化傳播方面有著不可代替的作用。電影市場應當宣傳能反映優秀民族精神的電影，具有深層次文化內涵的電影，以實現對我國優秀文化的推廣，實現對大眾積極的傳播影響。然而當下中國電影市場從來沒有在藝術層面考量一部電影的價值，都是從商業的角度判斷哪些片子應推送到電影市場。電影市場和中國整個市場一樣是需要有力的監督和調節的，電影市場發展不完善就會有各種弊病出現，使得電影藝術的傳承停留在書里，僅僅在理論上。“現代生活中，大眾文化的文化傳播有著最廣泛的影響力。但是，面對強勢外來文化，傳媒和記者因為中華民族的傳統文化缺乏充分的自覺與信心，在文化傳播方面出現了一些導向型失誤。”長期低俗、媚俗的電影內容慢慢的潛移默化，使大眾喪失了對電影藝術的追求，把藝術與娛樂等價起來，對青少年的影響尤為明顯。
三、畸變市場下大眾對電影
藝術的審美定勢
電影因具有文學性而成為藝術，又因其具有電影性而成為獨立的一門藝術。筆者認為如果電影做品中忽視了文學性，那么這個電影作品還是不是藝術品就值得考究了。電影融合了文學、戲劇、音樂、舞蹈等諸多藝術元素，被公認為是綜合性最強的交叉藝術，藝術以藝術品的形式出現，當藝術品具備了表達作者對客觀事物的認識和反映時，或者展現作者的情感理念和價值觀等主體性因素時才具備了藝術性，才能稱為是藝術，否則只是帶有藝術形式的元素。電影的確是綜合性最強的藝術，但電影里的音樂、舞蹈、繪畫等藝術形式只是作為一些元素出現，一般起的是配合劇情內容，豐富畫面元素，美化鏡頭感覺等作用，并不承擔電影的藝術性，更不會決定電影的藝術高度。
所以筆者認為，電影作品只具有電影性，而忽略了文學性，就談不上是藝術品了。
電影從根本上說是敘事的藝術，表達主題、描寫環境、塑造形象、抒感、刻畫內心都是以文學的方式呈現的，所以文學是電影具備藝術性的支撐，電影文學性的高度決定其藝術性的高度。“最終挽救了電影或者說把電影從一種科技新技巧變成有藝術感染力的手段，全靠用電影來講故事。”“藝術”是一個抽象的概念，是一種內涵，藝術的表達是需要載體的。而文學、戲劇、音樂、舞蹈等可以以實實在在的作品的形式出現，充當藝術表達的載體，當這些作品具有藝術內涵時，這兩個概念便能連在一起使用，例如“電影藝術”“音樂藝術”。
電影表現藝術的形式本該是千變萬化的，電影的敘事結構也不應該有任何標準，當下電影市場反而根據市場票房成績大力扶持出幾種特定模式的電影來，導致大眾對電影藝術審美產生了思維定勢，習慣性地接收那幾種套路的影片。當下電影市場是如何誤導觀眾產生審美定勢的，不妨從以下三個角度分析。
其一，觀影方向的誤導。正如“所有的歷史都是現代史”一般，當下電影市場大有“所有的電影都是商業電影”之意。不管片子主打的是文藝、政治還是歷史題材，電影市場呈現出的海報、預告片都是媚俗的商業元素。這是對電影藝術多樣性的一種打壓，將電影市場中本就稀少可貴的藝術成份無情的掩蓋，強行的將觀眾的注意力集中到商業元素上去。文學性與電影性是電影的兩大要素，電影性漏于外，而文學性藏于里，電影性易于刺激觀眾的感官，觀眾不用動腦便可以直接被動地接受，而文學性的接受卻是要動腦和靜下來思考的。當下電影市場對影片的文學藝術性罕有宣傳，即使這類片子拿了“金棕”“銀熊”，有了上院線的機會，宣傳方也只會找出一點和商業沾邊的元素炒作，未必會提及獲獎狀況，更不會展示其藝術成就。總之是避開其文學性，生怕給自己培養的看慣“爆米花電影”的觀眾帶來思想上的包袱，而望而卻步。文藝片《立春》的海報就突出了呂麗萍的后背，《一步之遙》的預告片怎么看都是好萊塢模式的劇情片，《地心引力》講述了瀕臨絕境下的人性問題，宣傳方卻將超越《阿凡達》的3D效果作為首要噱頭。這種吸引眼球的手段久而久之使觀眾習慣性的產生“刺激”與“震撼”看點期許，認為一個片子具備這些內容才是好電影，電影就是為了利用科技手段營造這些“視聽奇觀”的。然而這些海報、預告片只是用商業的手段把觀眾騙到影院里，至于他們是否能代表電影的立場并不重要。科技本應作為在幕后服務電影藝術的配角，然而在當下浮躁的電影市場中卻成為了主角，文化、藝術紛紛為之讓位，眼花繚亂的視聽刺激肆意擴張，而藝術本體卻越來越萎縮。
其二， 故事情節的模式化。產業化的電影市場處處精打細算、控制成本，連情節起伏的曲線都是批量生產的！無論是什么題材、什么年代、什么敘事順序，幾乎所有電影都會在開場制造一個“小”。這個“小”可以是整個故事的起因，可以是一段戲份的提前，可以交代故事背景、引領主人公出場，可以是兩軍交戰、橫尸遍野，也可以是家庭不和、兄弟反目，還可以是眾人尋樂、前仰后合。總之，不管這段戲說什么，講什么，它們有個共同的作用就是能夠在開場吸引觀眾的注意力，讓大家盡快進入“觀眾”的角色，為觀看整場電影做好準備。同樣是姜文導演的《讓子彈飛》和《一步之遙》，前者在開場時就是一段槍戰，然后麻匪拿槍逼問縣長，讓觀眾一開始就緊張起來、興奮起來。后者開場就是大段的獨白，用單調的畫面緩慢的敘述一個事件的起因，盡管他是在致敬《教父》，但這讓 “無知”的“爆米花觀眾”覺得難以接受，這不是他們想尋求的“刺激”與“激情”。顯然，姜文導演的腦子里是沒有固定的情節模式的，他所接受的是世界電影觀，他不會總是做符合中國電影市場的電影。《讓子彈飛》他想陪觀眾好好玩玩，到了《一步之遙》他就把大部分觀眾拋到了腦后，只想做自己想做的電影，由于思維定勢，大部分觀眾沒有做好動腦看電影的準備，于是覺得很累。中國電影市場培育下的電影觀與普世電影觀的差距真的不是一步之遙。
其三，電影藝術的概念混淆。“‘審美的日常生活化’是技術對審美的操縱，功利對的利用，是感官享樂對精神愉悅的替補。而‘日常生活的審美化’則是技術層面向藝術層面的過度，是精心操作向自由王國的邁進，是功利實用的勞作向本真澄明的生存之境的提升。二者的不同在于，一是精神生活對物質生活的依附;一是物質生活向精神生活的升華。”再優秀的第六代導演只有在國外才能得到認可，國內電影市場凡是和文藝掛鉤的片子幾乎就是被判死刑的情況下，電影藝術以“審美日常生活化”的方式向電影市場妥協。部分文藝片兼商業片出現，他們以商業片的包裝反映文藝的內在，在關注電影藝術的同時希望消除藝術與大眾的隔膜。這種主觀妥協的方式對藝術的傳播起到了一些作用，但在商業大潮下效果也是模棱兩可的。
在電影的藝術長河中，電影服飾藝術也為廣大觀眾帶來了欣喜和追捧，同時也引領了時尚，往往社會潮流的興起，大都離不開傳媒的力量，當代電影的迅速崛起為這個時代的服裝潮流起到了關鍵的作用，因為人們開始追捧電影明星，所謂的追星族，他們開始喜歡并傳誦明星的口頭禪并成為流行語，喜歡他們穿的服裝而爭相追捧，并使這些服裝成為當年最為流行的服裝。人們就是通過這些視覺傳達來感受藝術并體驗藝術，比如說20世紀80年代的電影中，女主角穿的“腳蹬褲”，男主角穿的“喇叭褲”等在社會上流行甚廣，在廣大城市和農村普及，在當時成為一種時尚。這就說明了電影可以直接地把時尚和潮流傳達給觀眾，觀眾通過視覺感受進行審美體驗。從另外一個角度來看，電影中明星的角色是可以不斷轉換的，可是他所處的電影環境是不一樣的，表現人物的性格特征也是不一樣的，所以對服裝的要求也是不一樣的，完美的服裝設計會使電影更加生動逼真，讓觀眾身臨其境，浮想聯翩，足見服飾設計對于電影的重要性。電影服裝設計是靠視覺傳達來吸引觀眾、感動觀眾的。譬如電影《滿城盡帶黃金甲》中，華麗的服飾盡顯皇室的尊嚴，人物的尊貴，加上整部電影畫面的色彩都是那么艷麗，在電影院里的大屏幕上，人們在觀看電影時，無不為華麗的色彩所傾倒，金黃色的和鮮紅的宮殿，金色錦袍和特殊裝扮的皇宮內人，每個展示的畫面鏡頭都是經典。還有電影《山楂樹之戀》中，鄉村的自然，山水秀麗的美景，那個年代的服飾和傳統的人物個性，把人們一下子就帶入到了回憶年代，兩位主人公衣著自然純樸，懵懂而又純潔的愛情貫穿整個故事情節，循序漸進，引人入勝，美輪美奐。近來我們又重溫了電影《泰坦尼克號》，這次是3D版的，通過對電影《泰坦尼克號》的重新制作，是我們繼《阿凡達》之后看到的第二部最有震撼力的3D電影了，電影中杰克的真誠和聰明，露絲的活潑與叛逆，兩個人的愛情故事相繼展開等一系列情節，又一次地展現出來，這次觀眾就像是身臨其境，所帶來的視覺傳達更是逼真和震撼，里面露絲作為貴族的代表所穿的服飾十分講究，為了保持身材把衣服收縮得格外緊身，讓露絲幾乎喘不過氣來，但是華麗的衣服讓露絲顯得格外高貴，相比之下，住在三等艙的杰克，衣著隨便，土里土氣。這就是當時社會的真實寫照，貴族的勢力和權力，窮人的社會狀態，通過著裝就可以分辨出來，這也是傳遞給觀眾一個信號，所謂門當戶對、貧富差別之類的世俗認知，為接下來的故事將是一個什么樣的結局埋下了伏筆。這也是服飾藝術中視覺傳達的魅力所在。顯而易見，在電影藝術中，服飾是人物形象特征的載體，是認知人物個性特征的前提，也是塑造人物角色的重要依據。服飾藝術在電影中傳達的是一種視覺感受，無需語言文字表達，它的感染力和形象性為影片的真實性奠定了基礎，為電影藝術的長足發展提供了有力保障。
電影藝術中服飾色彩的重要性
在冷色調中，一位漂亮的姑娘在一片綠油油的草坪上玩耍，這時若是遠景，應該設計綠色的補色，紅顏色服飾來襯托，這樣會顯得對比明顯，“萬綠叢中一點紅”就是這個道理。若是近景則可以隨意地安排和設計衣服的顏色，因為人的皮膚和頭發已經能和環境的顏色區分開了，就不用刻意改變人物的服裝顏色。在電影中，顏色也可以表現喜怒哀樂，傳達情感和信息，色彩的各種搭配還可以顯示出不同的視覺感受。這都是服飾色彩在電影中的魅力所在。人類對色彩的敏感度是取決于主觀性的，也是生理學的學科證明。電影作品能否感染觀眾是電影藝術家們共同的心愿，而色彩恰恰是展示電影藝術思想的重要手段，也是感染觀眾情緒的造型因素。電影中的色彩往往比現實生活中的色彩更加豐富，更具有藝術魅力和感染力，因為它需要周圍各種環境的襯托，甚至是人為的造景，例如，電影《畫壁》，主人公是鄧超飾演的朱孝廉，孫儷飾演的芍藥，閆妮飾演的姑姑等，每個人在戲中都有很強的個性特征，著裝也不一樣，朱孝廉等三人誤入萬花林，景色是那么美麗，蔚藍的天空、雄偉的建筑，里面的百花仙子著裝都是異常漂亮，根據故事情節的發展，畫面的構成也是不斷變化，她們所穿服飾的色彩非常艷麗，搭配比較完美，比如說，芍藥穿的衣服就大致與芍藥花的顏色接近，后面還有牡丹、翠竹、百合、丁香、云梅、雪蓮和海棠等，她們的服飾顏色也是與她們名字的花名一致的，劇中三個凡間男子的到來，也徹底打亂了萬花林的“秩序”，男人迷失在夢幻仙境里，人性即將受到考驗;欲望、貪念、愛恨，引發了一場仙界戰爭，一念天堂、一念地獄，故事情節引人入勝，各位仙子的服飾五彩斑斕，服裝款式新穎獨特，可以說，電影《畫壁》是把服飾色彩的藝術與電影畫面構成結合最完美的一部電影。
服飾藝術在電影作品中的審美期待
